Comment devenir conservateur de mode

Dans le documentaire Catwalk (1994), qui suit le mannequin Christy Turlington pendant un mois de la mode, lorsque André Leon Talley est interrogé sur si la mode est de l'art, le journaliste répond sèchement : « Absolument pas. La mode est du dur labeur, ce n'est pas juste une apparence ». Que les vêtements puissent être considérés comme une œuvre d'art méritant d'être accrochée dans un musée pour être admirée est un sujet qui a polarisé les observateurs de l'histoire de l'art depuis des décennies. Aujourd'hui, cependant, le grand public reconnaît dans les créations les plus majestueuses conservées dans les musées de la mode ou même dans les archives des collectionneurs une véritable valeur artistique, au point de remplir des espaces tels que le V&A de Londres, qui détient la plus grande collection de mode au monde, et le MET de New York avec un véritable sentiment de « faim de la mode ». C'est ainsi que l'appelle Valerie Steele, pionnière dans l'étude de l'histoire du costume, conservatrice et directrice du Musée du Fashion Institute of Technology qui, au cours d'une longue carrière, a su observer et influencer les changements que le rôle du conservateur de mode a subis. Entrer dans ce domaine peut sembler déjà être un défi compliqué en soi, mais devenir conservateur de mode est encore plus ardu, aggravé à la fois par le sentiment d'exclusivité qui entoure le monde de l'art et par celui auquel l'industrie de la mode tente de s'accrocher. À la question « Comment devient-on conservateur de mode ? » Valerie Steele répond, pour résumer, qu'il faut se retrousser les manches.

Nous avons rencontré l'historienne à Trieste, à l'occasion de la remise des prix de l'ITS Contest. Un concours créé pour soutenir les nouvelles promesses de la mode, le projet de l'ITS Arcademy soutient les créateurs émergents depuis plus de vingt ans, exposant les travaux en compétition dans une exposition permanente. Comme l'explique Steele, inclure le costume contemporain dans la muséologie permet de considérer les vêtements sous un nouvel angle. « Les espaces d'exposition offrent un moyen très particulier de regarder la mode », ajoute-t-elle. « Habituellement, nous regardons les vêtements avec des gens assis en face de nous, sur notre petit écran, ou dans un magasin. Dans un musée, nous avons la possibilité de les regarder à travers un objectif plus esthétique et comme partie intégrante de la société ». Mais l'importance de la conservation de la mode ne s'arrête pas à l'anthropologie : pour Steele, le travail muséal a pour mission d'éduquer autant que d'« inspirer les designers et les personnes à l'imagination », l'objectif principal que devrait poursuivre celui qui rêve de concevoir une exposition. « Tout le monde peut s'identifier à la mode », ajoute Steele. « Cela aide l'industrie, mais cela aide aussi la culture en général à apprécier comment la mode est un art créatif ».

Bien que, par rapport à Londres ou à New York, l'Italie semble être en retard dans le domaine de la conservation de la mode, elle est simplement fragmentée. Ayant été unifiée très tard, observe Steele, la répartition des pôles créatifs, et par conséquent des espaces d'exposition, est beaucoup plus dispersée entre diverses villes telles que Milan, Florence, Rome et bien d'autres. L'Italie ne manque pas de musées de la mode, comme le Musée Ferragamo, le Musée des Archives Gucci ou les Armani Silos, mais on reconnaît une certaine tendance à isoler l'histoire des marques lorsque l'occasion se présente de les raconter côte à côte. Comme le raconte Steele, l'une a influencé l'autre au cours de l'évolution du costume. « Je pense que les expositions de designers sont belles et ont aussi une importance », explique Steele. « Mais je pense qu'il est agréable d'avoir des lieux où l'on peut organiser des expositions comparatives, où l'on examine un thème, pas seulement un designer ». C'est là que le métier de conservateur entre en jeu, devant pouvoir explorer un sujet et l'exposer de manière inquisitoire, pour représenter une narration qui suscite des questions en plus de l'émerveillement. En prenant l'exemple de Judith Clark, une conservatrice capable de transformer quelques mètres cubes en une narration chargée de réflexions critiques, Steele explique que pour créer une grande exposition, il faut expérimenter avec ce que l'on a. « Je trouve que certaines des choses les plus créatives se produisent lorsque l'on prend deux champs différents et qu'on les assemble », nous dit Steele. « Les meilleures expositions de mode ont une bonne idée ». Parmi les conseils que Valerie Steele donnerait à un jeune créatif qui souhaite devenir conservateur de mode, il y a des règles simples, mais qui exigent discipline et application. « Les gens doivent être très, très autonomes, car c'est un domaine extrêmement compétitif », déclare la conservatrice, regrettant la problématique des stages non rémunérés auxquels doivent malheureusement souvent faire face les "nouveaux venus" avant d'être appréciés par un éventuel employeur. « Le conservateur n'est qu'un visage », ajoute-t-elle. « Il y a des éducateurs, des conservateurs, des responsables de l'enregistrement, des créateurs d'expositions, des responsables des médias, c'est comme faire un film, il faut essayer de comprendre non seulement ce que vous aimez faire, mais aussi ce dans quoi vous êtes doué et ce qui vous distingue du reste ».

Le dernier sujet que nous abordons avec Valerie Steele est la valeur de l'histoire de la mode par rapport à la culture de l'annulation, quelques jours seulement après la sortie du documentaire sur John Galliano, High & Low. Une fois de plus, étudier le passé est utile. « Dans un monde où les choses tendent à être très polarisées, je pense qu'il est nécessaire de comprendre le type de pressions auxquelles les gens étaient soumis. Les affaires étaient féroces, je me souviens avoir entendu l'enregistrement de Galliano : c'était absolument horrible et méprisable, mais c'était aussi clair, à bien des égards, qu'il s'agissait d'une personne très, très malade ». Dans la vision entièrement compréhensive et attentive de Steele, l'art peut être séparé de l'artiste, car tout comme nous écoutons encore Wagner ou apprécions les Picasso, nous pouvons encore reconnaître l'enchantement et la richesse des créations que Galliano réalisait dans ces années de terribles tourments. C'était précisément une collection de l'ancien directeur artistique de Dior à laquelle André Leon Talley faisait référence dans le documentaire consacré à Turlington, le PRINTEMPS/ÉTÉ 1994 de Galliano qui racontait Anna Karénine de Tolstoï avec une grande poésie et dramaturgie. « Une définition : le maître technicien du vingt et unième siècle », avait annoncé l'ancien directeur artistique de Vogue, présageant de la reconnaissance que le créateur recevrait trente ans plus tard. Parce que la mode est de l'art, surtout lorsqu'elle est teintée de sentiments forts tels que le besoin de rédemption.