Qu’est-ce qu’une marque de mode en dehors des mains de son fondateur? C’est une question à laquelle notre époque ne répond qu’indirectement, poussée par la nécessité moderne d’avancer, d’inventer et d’innover à tout prix. Plus que dans d’autres domaines, dans celui de la mode, la question de la dénaturation est centrale: comment poursuivre le style instauré par un fondateur tout en exprimant le sien? Le défi pour les successeurs est des plus délicats et, au fil des ans, il a engendré autant de désastres que de triomphes. Parmi ces triomphes, on compte celui de Francesco Risso, qui a pris les rênes de Marni il y a huit ans, succédant à la très appréciée Consuelo Castiglioni. Il a réalisé l'exploit complexe de s’approprier une marque devenue culte grâce à son excentricité et de la projeter vers un horizon international, aujourd’hui immense. «J’ai travaillé chez Prada pendant de nombreuses années et, bien avant cela, j’étais fan de Marni», raconte le designer. «L’image qui me revient toujours en tête est celle de la famille Castiglioni dans les années 90 à Formentera, tous habillés de toile, comme un petit culte. Ils étaient un peu dans cette sorte de bulle de mystère qui les rendait encore plus fascinants». Ce qui alimentait toutefois l’intense mystique de la marque, c'était son «caractère totalement à contre-courant de l’évolution normale de la mode, tout en existant profondément avec un contenu fort. Par exemple, ils ont créé des magasins incroyables dans les années 90, qui étaient complètement disruptifs. Il y avait cette délicatesse dans la fabrication d’objets qui semblaient très naïfs, mais restaient toujours très matériels.»

Et justement, la matière et sa manipulation demeurent la passion de Risso, qui, à la moindre question, est prêt à énumérer un nombre impressionnant de techniques et de procédés qu’il a mis en pratique au fil des années passées dans les ateliers de Marni, élargissant ainsi les frontières de l’identité de la marque. Un travail particulièrement visible dans les textures, qui vient de loin: «Marni a toujours eu cette sensorialité, déjà avec Consuelo Castiglioni. C’était l’un des aspects de son travail qui me passionnait le plus». Mais la sensorialité des vêtements, que Risso a remise au centre du discours en lançant il y a quelques années la tendance du mohair, ne concerne pas seulement les archives de la marque, mais aussi un plaisir personnel du designer qui explique: «La sensorialité me relie davantage à moi-même et aux autres. Un objet sensoriel suscite plus de curiosité qu’un objet totalement froid, aphone». La question n'est pas anodine, car le cas de Marni est celui d'une marque qui, dans l’écosystème de plus en plus commercial de la mode, parvient à équilibrer de manière unique une expérimentation sauvage accompagnée d’un grand succès commercial. Un équilibre délicat que Risso défend «avec toutes mes griffes et toutes mes dents», équilibre que le patron Renzo Rosso lui-même tient à préserver. «Dans toutes les marques, même celles que j’ai connues au cours de mes expériences passées, l’expérimentation et la commercialité ne connaissent pas la même osmose», explique Risso. «Ici, l’expérimentation a apporté une flamme, en plus de grands chiffres, et donc les gens qui viennent ici attendent une grande chaleur créative – même les clients eux-mêmes». Une approche méthodologique et conceptuelle, comme l'explique le directeur créatif: «Nous avons tous cru ensemble à l'humanité profonde de cette expérience. Parce que créer des objets de cette manière donne ensuite à l'objet une expression forte. Plus nous sommes authentiques dans notre créativité et notre expérimentation, plus tout peut devenir immédiatement traduisible sur le marché.»

Le processus créatif de Marni est décrit par Risso comme quelque chose de proche d'un collectif artistique, où l'interaction avec différentes équipes et collaborateurs est fondamentale. «Notre processus est assez évolutif et dépend beaucoup du moment que nous vivons. Nous nous asseyons souvent à table, nous sommes nombreux, y compris avec les membres d'autres équipes, mais aussi avec les personnes qui travaillent pour Marni de manière plus occasionnelle, comme les personnes qui défilent dans nos shows ou celles qui composent la musique. Nous nous asseyons à table et nous essayons d'abord de comprendre ce qui se passe autour de nous. C'est, disons, la base sur laquelle se développent ensuite toute une série de véritables envolées. L'acte créatif en lui-même naît de cette base et évolue en fonction de ce que nous devons réaliser.» Cette méthode collaborative ne nourrit pas seulement la créativité, elle permet aussi de garder le travail de Marni en phase avec les changements et les défis du monde contemporain. Les histoires que Risso raconte à ce sujet sont nombreuses et vont souvent à contre-courant de l'approche plus formalisée d'autres marques. Un souvenir particulier est celui de la collection SS22, peut-être l'une des présentations les plus avant-gardistes de la marque. Après le confinement, se souvient Risso, «l'une des choses les plus importantes a été de retrouver une sensorialité qui fait partie intégrante de notre travail. Nous devions poser un geste physique fort, alors nous avons recouvert toutes les parois de notre studio de toile, et pendant près de deux semaines, nous avons tous peint ensemble. Nous avons réalisé des milliers de tableaux pendant ces jours-là. Mais au final, cet acte pictural est devenu la base de tout le processus du show: nous avons compris que le simple geste d’une ligne représentait pour nous un symbole d’unité et d’uniformité. Cette ligne est devenue l'idée centrale de tout le show, jusqu'à ce que nous invitions même le public à se vêtir et se peindre de rayures. Nous voulions dire “Let’s get physical”, réunissons de nouveau nos intentions dans cette sensorialité qui nous appartient profondément, et traduisons-la de toutes les manières possibles.»

Pour Risso, la sensorialité est un élément clé du travail de Marni. Comme mentionné plus tôt, la marque a relancé de manière singulière le succès du mohair (Risso déclare avec fierté: «Marni est texture, sans aucun doute en tout et pour tout») mais le fil conducteur qui relie les différentes techniques et expérimentations sur le produit réside dans un intérêt artistique pour la matière. «Nous sommes très matériels car nous travaillons beaucoup avec nos mains, moi y compris.» Le mode de fonctionnement de l’atelier, tel un collectif, mû par une recherche d’immédiateté expressive mais aussi par une nécessité d’adhérer non pas tant au réel qu’à l’actuel, fait de l’univers Marni quelque chose d’unique: «Nous aimons beaucoup travailler avec nos mains et nous laisser aller à l’instinct. Je pense que cette énergie était présente dès le premier jour où j’ai commencé. Nous faisons tout ici, des bijoux aux sacs, et même certaines chaussures. Donc, parfois, tu vois des choses se former que tu ne verrais pas ailleurs, même avec des ressources incroyables, parce que dans d'autres endroits, les usines sont dispersées à travers l'Italie, tandis qu'ici, il y a un petit joyau d'où tout naît de manière très artisanale, très instinctive et non traditionnelle. Renzo [Rosso, ndr] adore cette facette de Marni.» Un monde tactile qui est présent même lorsque l'on recherche des abstractions géométriques pures, comme dans la dernière collection FW24, où «la sensorialité a été presque renversée». Pour ce show, Risso voulait «trouver l’essence de tout ce que nous faisons. La collection était pratiquement noire du début à la fin, presque froide dans la manière dont elle était réalisée, mais en réalité, son processus est né de la volonté d’isoler toute une pièce, de voir les objets à travers une lumière, et donc encore une fois, c’est toujours et uniquement parce que tout le tactile connecte profondément. Les surfaces ont explosé à la fin du show, mais toute la première partie répondait à la nécessité d’enlever toute information, pour activer un autre type de sensorialité, celle qui est visuelle et instinctive.»

Le désir de Risso de connaître en déconstruisant vient de loin. Élevé dans une grande famille bruyante, il a trouvé dès l'enfance dans la création d’objets un moyen de s’exprimer. «J’ai cinq frères et sœurs. Je vivais avec ma mère, mon père et d’autres familles, les grands-parents, les frères et sœurs des autres familles. C’était vraiment une sorte de communauté. Mon père était un personnage très éclectique et chaque jour, il y avait des vagues de gens à la maison. Et moi, j'étais tout petit, et je suis toujours resté un peu dans cette position d'observateur. Mon besoin de m'exprimer et de parler s'est transformé en un besoin de faire des objets ou des choses, jusqu'à ce que je commence à fabriquer mes propres vêtements avec tout ce que je trouvais à la maison, au grand dam de mes parents». Un environnement vivant a nourri sa créativité, l'amenant à expérimenter les vêtements des membres de sa famille dès son plus jeune âge, mais l'incitant également à voyager dans le monde entier à un âge très précoce. À l'âge de seize ans, il était à Florence, déjà plongé dans le monde des boîtes de nuit, notamment dans le club historique Tenax, «et puis à dix-sept ans, je suis allé à New York. J'ai rencontré beaucoup de gens qui sont devenus ma famille pendant ces années-là, il y avait une culture incroyable». C'est là que le jeune Risso a décidé qu'il deviendrait styliste, après avoir suivi une solide formation artistique. «Avant de tomber dans la mode, il a étudié l'art.  C'était la période de mon adolescence où je n'avais pas encore réalisé que je voulais faire des vêtements et où je pensais que je deviendrais artiste ou cinéaste ou quelque chose comme ça». Une période porteuse d'enseignements indélébiles : «Nous ne nous sentons pas artistes ici, en fait nous rejetons un peu cela car je suis profondément attaché au fait que les vêtements et les objets que nous fabriquons sont des objets qui convergent vers un sentiment de plaisir pour les personnes qui les portent. Une approche très différente de celle de l'art. Au niveau de la production, on a parfois l'impression d'être dans l'atelier d'un artiste. Et peut-être qu'un peu comme les artistes, nous rejetons aussi l'idée d'être des artistes ».

Pour l'avenir, M. Risso espère maintenir un lien authentique avec le public et continuer à explorer de nouvelles possibilités créatives. «Nous avons beaucoup de chance, car ce qui nous maintient particulièrement unis, vivants et ardents dans la création, c'est le fait que nous sortons toujours d'un processus où nous voulons tous apprendre quelque chose. Cela nous permet de rester connectés dans un sens circulaire et égalitaire». Sa vision est celle d'une mode qui ne se contente pas de refléter la société, mais qui y participe activement, en créant un dialogue permanent et stimulant. Malgré les problèmes géopolitiques, culturels et économiques que traverse l'industrie du luxe : «Je pense que nous sommes dans un moment de grand doute et que tout le monde est dans la même situation. Cela vient du fait que nous sommes passés d'une époque où la mode était faite pour des niches et des publics très spécifiques à une époque où la mode voulait conquérir le monde entier et pas seulement en termes de chiffres, mais aussi en termes de présence. Et pour être présent dans le monde entier, il faut commencer par plaire à tout le monde : il faut aussi faire attention à la façon dont on parle, à la façon dont on communique». Mais pour le designer, le sentiment d'optimisme ne s'effondre pas pour autant «c'est un moment de grande opportunité, parce qu'il s'agit de se reconnecter un peu plus. Je le dis souvent aux personnes avec lesquelles je travaille : dès que nous devenons autoréférentiels ou que nous commençons à nous déconnecter de la réalité, je reçois une gifle. Je ne fais pas les choses parce que je veux qu'elles soient enfermées dans une vitrine de musée, mais parce que je veux qu'elles existent dans un mouvement social. Je pense que tout le monde lutte parce qu'il se sent déconnecté du moment présent. On ressent beaucoup de fatigue. Cela vient peut-être d'un excès de zèle».

Qu'il s'agisse ou non d'un excès de zèle, Risso reste très actif, tant au travail qu'à l'extérieur. «Je fais beaucoup d'activités, y compris du violoncelle. Je fais beaucoup de sport, je m'amuse beaucoup à explorer.  Je suis comme un enfant, je ne me rends pas compte que j'ai quarante et un ans». Toute cette activité volcanique a conduit, après une saison au cours de laquelle la marque a présenté ses collections dans les principales capitales mondiales de la mode, avant de revenir à Milan, à une nouvelle étape importante: l'ouverture de la Semaine de la mode de Milan - une ouverture que Risso souhaitait vivement et qui a été soutenue par la Chambre de la mode. «Au cours des trois dernières années, nous avons voyagé et organisé de nombreux défilés de mode à l'extérieur, parfois sans aucun lien avec le calendrier. Ils sont devenus des moments très spéciaux, parce qu'ils sont libérés du stress que tout le monde ressent malheureusement, car ces semaines sont devenues extrêmement intenses pour tout le monde, y compris pour nous. Mon choix d'ouvrir a été dicté par le fait qu'il est très important pour moi, pour la prochaine collection, d'insuffler un sentiment de légèreté que j'espère que le public, en quelque sorte, pourra également respirer de la même manière que nous».

CREDITS:

Interview Lorenzo Salamone

Photographer Giuseppe Triscari
Photographer Ass. Ana Loffehardt
MUAH Andrea Severino Sailis