Les collaborations sur les podiums sont-elles l’avenir de la mode ?

Les collaborations sur les podiums sont devenues un pilier de l'industrie, fusionnant harmonieusement des visions créatives pour offrir des moments à la fois novateurs et audacieusement frais. Bien que ce phénomène ne soit pas nouveau, il a certainement évolué au fil des décennies. Depuis près de 25 ans, les designers et les marques ont constamment fusionné des récits visionnaires, souvent riches en profondeur narrative et souvent avec un fort accent commercial. L'un des exemples les plus emblématiques est la collaboration de 2001 entre Louis Vuitton et le designer Stephen Sprouse, qui a audacieusement réinventé le monogramme iconique. Mais ce n’était pas un moment isolé. À l'époque, des partenariats comme celui-ci étaient des éclats créatifs électrisants et des expérimentations, redéfinissant les perceptions et établissant de nouvelles normes audacieuses. Ce n'étaient pas seulement des collaborations. C'étaient de véritables déclarations ayant la capacité de remettre en question les façons d'apprendre et de définir le rythme. Mais avançons jusqu'aux années 2010, quand les collaborations étaient omniprésentes, au point que l'industrie de la mode a presque atteint un point de saturation. Cependant, ces dernières années, cette tendance a connu une résurgence réfléchie. Des partenariats inattendus comme celui de Virgil Abloh avec Moncler Genius Project, et plus récemment, l'association entre Nensi Dojaka et Calvin Klein pour sa SS25 ou encore Coperni s'associant à Swarovski pour leur collection dévoilée à Disneyland, font à nouveau la une. Aucun segment n'est laissé de côté : bijoux, chaussures de luxe, lunettes de soleil, sacs, et bien plus encore font partie de cette synergie. Il est intéressant de noter que ces partenariats ne sont plus seulement une question d'expression artistique. Avec des économies lentes impactant les ventes de luxe, les collaborations sur les podiums sont devenues un outil commercial stratégique pour atteindre un public plus large et stimuler les profits. Pourtant, au milieu de tout cela, il subsiste un désir d'atteindre un équilibre utopique, celui qui reste fidèle à l'authenticité de la marque et à l'intégrité créative. Bien que cela soit difficile, ce n’est pas impossible. Lorsqu'elles sont bien faites, les collaborations peuvent atteindre cette rare harmonie, offrant à la fois innovation et authenticité.

La tradition des designers invités de Jean-Paul Gaultier témoigne de l'attrait durable de la mode et de l'authenticité. Depuis la présentation de son dernier défilé Haute Couture en janvier 2020, Gaultier invite des designers invités deux fois par an à réinterpréter ses codes. Ces collaborations ne sont pas seulement une question de mots ou d'esthétique – il s'agit de redonner vie à un héritage, mélangeant une base solide avec des perspectives fraîches et visionnaires. Ce qui rend la tradition de Gaultier l'une des meilleures collaborations sur les podiums aujourd'hui, c'est la profondeur de l'exploration et la liberté créative qu'elle favorise. Lorsque le créateur français offre son riche héritage comme toile de fond et sélectionne des designers capables de regarder au-delà du simple design, les résultats transcendent généralement les attentes. Ces partenariats laissent une marque indélébile sur l'industrie tout en ayant la capacité de montrer ce que cela signifie collaborer avec liberté à notre époque. Des designers comme Nicolas di Felice, Julien Dossena, Glenn Martens, Olivier Rousteing, Haider Ackermann, Simone Rocha, et Ludovic de Saint Sernin ont chacun dévoilé des couches cachées de l'histoire de Jean-Paul Gaultier. Avec la créativité et l'hommage au cœur de leur travail, ils ont mis en avant un sens profond de l'art.

En 2025, l'industrie est en effervescence avec des dialogues cohérents qui défient les normes traditionnelles et explorent la flexibilité des codes des marques. Un exemple frappant est le partenariat entre les directeurs créatifs de Louis Vuitton Men’s Pharrell Williams et Nigo, dont les riches archives de travail du XXe siècle inspirent une collection ancrée dans la modernité et le design avant-gardiste. Également lors de la Paris Fashion Week Men’s, la marque de streetwear 3. Paradis a dévoilé une collaboration avec la NBA, alliant influence mondiale et pièces comme des bombers. De même, Willy Chavarria a célébré le 10e anniversaire de sa collection ‘Tarantula’ pour le FW25 en présentant une seconde collaboration avec Adidas, mettant en avant des baskets inspirées des bottes de combat. Chavarria a également introduit une petite collection capsule, comprenant des lunettes de soleil avec Return to Vendor et des foulards en soie créés en partenariat avec South Central Project. KidSuper s'est associé à Bape, tandis que Jeanne Friot a dévoilé sa première collaboration officielle avec Levi’s, présentant une gamme de pantalons tailleur lors de la Men’s Fashion Week. Pendant ce temps, la London Fashion Week AW25 a vu des créateurs adopter des partenariats pour incuber leurs idées. La collection ‘Modern Antiquity’ de Chet Lo s'est distinguée en explorant la transmutation artistique et les représentations traditionnelles de la culture asiatique, tout en dévoilant une collaboration avec Converse. Même l'univers de la chapellerie embrasse cet esprit collaboratif. Sous la direction du créateur britannique Daniel Fletcher, Royal Ascot a célébré son 10e anniversaire du Millinery Collective en mettant en avant la nouvelle génération de talents, dont Awon Golding, Jane Taylor, Lisa Tan et Katherine Elizabeth.

De plus, dans le paysage dynamique d'aujourd'hui, les collaborations deviennent plus multidisciplinaires que jamais. Un exemple parfait de cela a été récemment présenté lors du premier défilé de The Arsenale dans le Doha Design District, où des entités diverses telles que Faith Connection de New York, les bottes SIDI, la marque qatarienne TRZI (conçue par la nièce de la princesse du Qatar), et l'équipe de course WESTBROOK de Will Smith se sont réunies dans un partenariat. « Faith Connection était celui qui a produit nos designs. Grâce à son expertise et à l'usine qu'elle gère à New York, nous avons pu créer 60 pièces, quelque chose qui n’aurait pas été possible autrement. Aux côtés de Will Smith et de son équipe, et de l'énergie du monde de la mobilité, cette collaboration est devenue une fusion d'industries et de cultures. Ce fut une expérience enrichissante qui a élevé l'ensemble du projet, » déclare Patrice Meignan, fondateur de The Arsenale, et Marcela Meignan, directrice créative.

À une époque où surprendre les publics et les consommateurs devient de plus en plus difficile, les marques et les designers font un pas en avant pour provoquer un sentiment d'appartenance. Ils trouvent un équilibre délicat entre la viabilité commerciale et le besoin de créativité – surtout en ces temps où l'imagination est plus essentielle que jamais.