La Paris Fashion Week est-elle devenue respectable ?

Le concept de « risque créatif » a été le plus utilisé par les critiques ayant commenté la Fashion Week de Paris, qui s’est achevée mardi dernier avec les feux d’artifice de Coperni, peut-être plus brillants que la collection qu’ils ont accompagnée. De plus en plus, le sujet de chaque collection semble subordonné à sa présentation dans une sorte de tendance à la méta-narrativité, où de nombreux directeurs créatifs et marques paraissent plus concentrés sur la continuité et le contexte de l’histoire que sur l’histoire elle-même, s’enfermant dans une auto-référentialité et, dans certains cas, une autosatisfaction qui les a conduits à « faire » eux-mêmes plutôt qu’à être eux-mêmes, à adhérer à une image extérieure à leur style plutôt qu’à le développer sincèrement. Se voir de l’extérieur signifie avoir cessé de grandir : comme le disait D'Annunzio, « l'anatomie suppose le cadavre». Cela a été le cas de Coperni, déjà cité, dont les designers semblaient plus intéressés à créer un « moment » qu'à innover avec leurs vêtements, mais aussi de Rick Owens qui, bien que restant un maître vénérable, a commencé à sembler mécanique avec son obsession injustifiée pour le Palais de Tokyo, le rythme glacial de son défilé et la lente redondance d'une collection toujours identique. Presque comme s’il commençait à perdre de l’élasticité et de la capacité d’adaptation, devenant verbeux, répétitif, moins énergique. Pourquoi ne pas changer de lieu, au moins une fois ? Lui et d’autres auraient bénéficié d’un sens de synthèse sain, de rapidité et de pertinence.

En fait, la concision a été la caractéristique des défilés gagnants de la saison, à la fois en termes qualitatifs et quantitatifs. On ne parle pas de minimalisme en général, bien au contraire, le réductionnisme a même disparu au profit de volumétrie large, d’une profusion de dentelle, de lingerie et de transparences ; d'ourlets très courts ou de vêtements tailleurs imposants ; de couches accumulées, de capes, de plumes. Nous faisons référence à la capacité de dire ce que l’on a à dire, même si c’est peu, d’une manière concise, efficace, sans mystification. Regardons The Row et ses vingt-sept looks qui peut-être ne révolutionneront pas le monde du design, mais constituent une présentation agile, directe et efficace ; regardons Peter Do et sa brièveté intense, ainsi que Mugler, Noir Kei Ninomiya, Anrealage, Enfants Riches Déprimés et Heliot Emil. Autant de marques qui se sont limitées à environ trente sorties, contrairement à d'autres qui sont allées au-delà de cinquante looks, diluant souvent leur message – à supposer qu’il y en ait eu un. De nombreux autres designers, parmi les plus illustres, ont opté pour une auto-indulgence ennuyeuse, laissant supposer beaucoup de travail, mais aussi une volonté de ne pas se remettre en question, l’incapacité à réaliser qu’ils sont devenus ennuyeux. Le résultat a été des collections un peu génériques, oubliables, plus enclines à suivre les tendances qu'à en créer, inclinées devant l’algorithme, ou laissant entendre que les directeurs créatifs ou designers en question ont cessé de se poser des questions sur leur travail : tout créatif qui ne devient pas son propre juge le plus sévère, impitoyable et impitoyable est condamné à devenir la parodie de lui-même.

Au-delà des cas exceptionnels, tels que Courrèges, Issey Miyake ou Yohji Yamamoto, où l'on pouvait percevoir une certaine passion ou sentir l'excitation fiévreuse de la création, la sensation dominante après ce mois de la mode est que la mode institutionnelle est devenue trop « sûre » pour exprimer quelque chose de vrai. La présence d'« adultes responsables » sous la forme de PDG, d'investisseurs et de comités, au lieu des mécènes d'autrefois, a créé une mode accomplie avec la même diligence inerte et le même aveugle sérieux qu’un devoir d'école, affectée même dans la transgression, excitante comme une révision comptable – en un mot, bourgeoise. Où est passée l'irrévérence d’autrefois ? Où est l'inattendu, le frisson ? C'est comme un bal de promo où tous les parents et enseignants sont présents pour surveiller : il n'y aura sûrement pas d’incidents, mais la fête sera d’un ennui mortel. Même les nombreuses jambes dénudées, les talons et les mini-jupes, les seins nus apparaissant sous la transparence d’une robe n'avaient rien de sensuel, au contraire, ils semblaient le produit d’une imagination frigide, l'idée du sexe que pourrait avoir quelqu'un qui ne l'a jamais expérimenté. Et cela se reflétait aussi dans le public dont les membres, du moins ceux qui étaient libres d'adopter le style qu'ils préféraient, étaient souvent plus avant-gardistes, en termes de style et de goût, que les looks sur les podiums, ce qui nous amène à nous demander qui sont les véritables faiseurs de tendances dans la mode : les designers ou leurs adeptes, et surtout, si les designers, avec leurs mille contraintes commerciales et d'entreprise, sont encore capables de synthétiser et d’évoquer, comme autrefois, le sentiment qui est la pierre angulaire de toute la mode : le désir.

Il ne s'agit pas d'une question de nudité – si cela suffisait, le défilé de Luis de Javier, avec ses épouses-sex doll vulgaires et fétichistes, aurait eu un sens, mais il n'en avait pas. Regardons par exemple McQueen : Sean McGirr ne semble pas avoir une idée claire de ce qui rend une femme sexy – par réserve ou par désintérêt, les sinistres banshees qu'il a évoquées étaient aussi rigides que des nonnes. Un type de sensualité que Lee McQueen, à son époque, établissait davantage par la coupe anatomique des vêtements, la descente vertigineuse des décolletés, la manière dont une robe semblait sur le point de révéler quelque chose sans jamais vraiment le faire – il n'est pas étonnant que même ses défilés les moins réussis (et ici nous pensons à la collection SS06 qui jouait sur un style de couture similaire) évoquaient un frisson d'érotisme peut-être agressif, mais jamais dégradant, au contraire, libérateur, célébratif. C'est comme si de nombreux créateurs s'étaient enfermés dans deux modes de sensualité : totalement inoffensive ou totalement offensante, puritaine ou pornographique. Le détail le plus subtilement perturbant vu cette semaine était cette bande de peau exposée sous le nombril des modèles de Balenciaga, entre un polo court et un jean taille basse. L'imagination des créateurs parisiens ne s'est pas aventurée plus loin.

Quoi qu’il en soit, la sensation est que nous nous retrouvons à nouveau au début des années 90, avec la même crise que l’on respirait alors, due au déclin progressif des marques historiques qui se sont figées dans un modèle d’affaires et de communication désormais obsolète. Une lassitude due sans doute au fait que tous les recoins de la carte ont été explorés, que tout a déjà été vu et inventé, et donc règne l'impression d'être arrivé à la fin de l'histoire – mais le problème est aussi une culture d'entreprise anxieuse, trop prudente. Même les créateurs semblent franchement à court d'idées car trop d'entre eux travaillent sur les mêmes choses – il est naturel qu'ils se chevauchent et s’échangent entre eux. Mais lorsque le sable est au fond du sablier, il suffit de le retourner : il se trouve que ce sont précisément ces moments où se produit une rupture, un traumatisme ou une fracture qui donne un choc à un système sclérosé, trop grand pour s’effondrer en un jour, mais dont la décomposition est déjà en partie engagée. Qui se souvient de la manière dont Marc Jacobs s’est fait renvoyer de l’élégant Perry Ellis pour sa célèbre collection grunge ? Aujourd’hui, la seule raison pour laquelle on se souvient que Perry Ellis existe est précisément ce moment de désobéissance – les cadres en costume feraient bien de s'en souvenir.