Une obsession qui ne peut s'éteindre, entretien avec An Vandevorst

Une étendue de lits d'hôpital en fer forgé et des jeunes filles endormies aux bas transparents, jupes moulantes, cardigans aux tons pastel, qui contrastent avec la blancheur des draps. Chacune d'entre elles se réveille et défile, à l'exception d'une seule, qui, en attendant son tour, s'est vraiment endormie. Nous sommes en 1999, An Vandevorst et Filip Arickx, qui se sont rencontrés quelques années auparavant sur les bancs de la Royal Academy of Fine Arts d'Anvers, présentent leur deuxième collection dans un défilé-performance destiné à s'inscrire dans l'histoire, tant pour son goût naïf que pour sa puissance narrative. Bien qu'ils n'en soient qu'à leurs débuts, les inspirations qui les accompagneront pendant les vingt prochaines années sont déjà toutes présentes : Joseph Beuys, la croix rouge, la religion, les chevaux et les accessoires d'équitation, les rivets, la lingerie, les uniformes, les allusions au fétichisme. Un amalgame de références qui revient, comme un tambour, comme une obsession qui ne parvient pas à s'éteindre, mais sous une forme toujours nouvelle, laissant place à l'émerveillement. Aujourd'hui, la marque n'existe plus, choix de ses fondateurs, mais dans l'anonymat des campagnes aux décors dépouillés, dans l'automatisation du « quiet luxury » et des flux Instagram, la mode est plus que jamais nostalgique, non pas d'une époque historique bien définie, mais de ce modus operandi particulier grâce auquel un vêtement est capable de nous transporter dans un univers, de devenir le porte-parole d'un système esthétique et de valeurs, de transcender la banalité du réel. Les codes esthétiques évoluaient en équilibre entre masculin et féminin, sacré et profane, construction et déconstruction, les héritages de l'école belge : un mélange incomparable et irréprochable que l'on regrette maintenant, parmi les ruines d'un secteur qui dérive dangereusement vers l'anonymat. Nous avons discuté avec An Vandevorst de l'obsession et de la performance, de ce qui reste de la créativité et comment la protéger, de l'avènement des réseaux sociaux et de l'évolution du secteur, ainsi que de son rôle de conseillère au Polimoda, au cours d'une conversation qui a duré plus d'une heure.

Sleeping Beauties SS99

Sleeping Beauties SS99

Sleeping Beauties SS99

Bath house SS00

Bath House SS00

Bath House SS00

Lexus AW04

Lexus AW04

Lexus AW04

Safe Breath SS07

Safe Breath SS07

Anonymous Love AW12

Amazon Centaur AW09

Amazon Centaur AW09

Amazon Centaur AW09

Safe Breath SS07

Anonymous Love AW12

Warriors SS12

Warriors SS12

Warriors SS12

Lexus AW04

Ma première question concerne les éléments récurrents dans vos créations. J'ai lu dans une ancienne interview que vous collectionniez des meubles d'hôpital. C'est un détail qui m'a beaucoup marqué : il semble qu'il ne s'agisse pas seulement d'inspiration, mais plutôt d'une obsession.

C'est vraiment curieux que vous me demandiez cela, car j'utilise très souvent le mot obsession ces derniers temps, surtout avec les étudiants ou avec les personnes qui me demandent des conseils, car je crois fermement que c'est l'obsession qui vous donne réellement l'élan, qui détermine une nécessité. Du moins, c'est ainsi que cela fonctionne pour moi : les obsessions contrôlent ma vie et estompent la frontière entre vie, travail et passion. Il n'y a pas de distinction. Et je pense que quiconque veut exercer ce métier doit se poser la question «Est-ce vraiment ce que je veux faire? Pourrais-je vivre sans cette urgence, ce désir de créer?» Si vous êtes obsédé, vous n'avez pas d'autre choix.

Et en ce qui concerne les meubles d'hôpital?

Nous avions autrefois un entrepôt, un grand atelier à Anvers, où nous conservions tous les meubles que nous utilisions pour les showrooms ou les présentations. Maintenant, nous les gardons à la maison, avec les autres meubles, en réserve pour une prochaine occasion spéciale.

À propos d'occasions spéciales : pour vous, les défilés ont toujours été de véritables performances plutôt qu'une simple ligne droite de corps qui défilent. Je pense à la SS00, où des jeunes filles vêtues de tissus transparents se déplaçaient en trajectoires simultanées avant de plonger dans les eaux de la piscine Oberkampf à Paris. Pensons à la SS07, où des filles à la bouche couverte de rectangles de coton blanc, pour éviter de tuer involontairement des insectes ou des êtres vivants en respirant, imitaient les sœurs jansénistes. Ou encore, pour la SS16, des mannequins étaient récupérés en moto à la porte du backstage puis déposés dans la cour aux grandes baies vitrées de la Faculté de médecine Paris Descartes. La performance, la création d'une narration et d'une expérience qui resterait pour toujours un souvenir évocateur dans la mémoire du spectateur, ont été des éléments distinctifs de votre travail au fil des ans. Mais comment la performance s'intègre-t-elle dans notre perception d'un vêtement?

La mode est un langage, c'est l'histoire que nous voulons raconter, et notre langage et notre histoire ont été forts dès le début. Le visuel est crucial. Un vêtement doit répondre à certains critères pour pouvoir être porté, sinon ce n'est pas vraiment un vêtement. Le vrai défi est de l'inscrire dans un cadre qui soit attractif, de trouver une nouvelle façon de voir ce vêtement. En fin de compte, un pantalon reste un pantalon, mais la manière dont vous le présentez en change complètement la perception.

Et quel rôle joue la musique dans ce processus?

C'est un élément clé de la narration, une autre de mes obsessions.

En 1998, pour votre premier défilé, vous aviez confié à chaque mannequin une cassette contenant trois chansons : Wild is the Wind de David Bowie, Superstar de Sonic Youth et I've Never Been to Me de Charlene. Dans chaque collection, la musique était choisie avec une précision chirurgicale, pour compléter cette narration où tout, à commencer par le son, joue un rôle crucial. Si vous deviez aujourd'hui choisir trois morceaux pour cette cassette, à confier aux mannequins afin qu'elles les fredonnent en défilant, lesquels choisiriez-vous?

Cela dépend de l'histoire. Choisir trois chansons sans une histoire est vraiment difficile, mais ce serait probablement de la musique électronique. Parfois, je trouve un morceau, par exemple trop masculin ou trop froid, presque militaire, puis j'essaie de le rendre plus séduisant ou féminin. J'aime créer cette tension avec la musique, c'est au final une approche très similaire à celle que j'adopte pour une collection ou un vêtement spécifique. Il s'agit parfois de jouer avec les contrastes. Je collectionne sans cesse des morceaux, je les archive dans un logiciel spécifique et ensuite je les organise. Je le fais de manière très naïve, très élémentaire, mais pour moi, ça fonctionne.

En ce qui concerne votre formation, vous avez toujours parlé des Antwerp Six comme d'un modèle pour toutes les générations de créateurs suivantes. Qu'est-ce qui a vraiment déterminé l'essor de la mode belge?

Je pense que le secret réside dans le fait que nous n'avons jamais bénéficié d'un grand soutien financier. Nous avons toujours cherché des solutions créatives, dans les défilés, la vente, la réalisation de la collection, atteindre le public, tout en restant fidèles à notre vision, sans suivre ou analyser les tendances. C'est l'une des raisons pour lesquelles nous avons arrêté, car tout était trop axé sur les analyses de marché. Les clients ont commencé à venir au showroom avec leurs ordinateurs portables, Filip et moi nous sommes regardés et nous nous sommes demandés «que se passe-t-il?» Auparavant, les acheteurs entraient, aimaient la collection ou non, l'achetaient ou non en fonction de leur instinct. Puis l'instinct s'est transformé en marketing, en merchandising, tous ces termes... et nous avons pensé que les nouvelles générations étaient meilleures pour cela. Nous avons également réalisé que les outils de narration des spectacles étaient restés, mais pas les environnements de narration. Et à partir de là, nous nous sommes dit qu'il était temps de s'arrêter, que nous nous étions beaucoup amusés, mais qu'il était temps de faire autre chose.

Peru White trash AW15

Peru White trash AW15

Peru White trash AW15

Peru White trash AW15

Peru White trash AW15

Motorbikes SS16

Motorbikes SS16

Motorbikes SS16

Et comment pensez-vous que les réseaux sociaux ont contribué à cette « perte d'innocence »?

À l'époque, lorsque nous avons commencé, nous avons dépensé beaucoup d'argent pour engager une attachée de presse et organiser des défilés de mode à Paris afin de montrer notre travail au monde entier. Le grand avantage des médias sociaux est que vous êtes visible en une seconde. Cela peut être un outil formidable et vous pouvez le contrôler : vous maîtrisez ce que vous publiez, à quel rythme vous le faites, assez facilement. Un autre aspect qui a changé au fil des ans est la relation entre la marque et le consommateur final, une confiance aveugle qui s'est définitivement perdue. Le client avait l'habitude de voir dans les magasins les quelques pièces que les acheteurs achetaient pour lui, il n'avait aucune idée que derrière ces vêtements il y avait une collection 20 fois plus grande parce qu'il n'avait pas les outils pour accéder à l'ensemble de la collection. Aujourd'hui, grâce aux réseaux sociaux, tout le monde a accès aux défilés, littéralement tout le monde, et il suffit de chercher un vêtement sur Google, de cliquer et de dire : « Je veux ça ». Mais il arrive que le magasin n'ait pas ce vêtement en particulier, parce qu'il ne peut pas se le procurer, parce qu'il n'y a pas de budget pour acheter toute la collection. Les magasins sont donc stressés parce qu'ils ne savent plus quoi acheter. Il y a ensuite la question des stylistes, qui est un autre problème majeur pour l'ensemble du secteur. Il arrive que des stylistes chevronnés aient du mal à trouver un poste parce que les marques engagent des stylistes débutants ou des célébrités pour créer les collections. Mais chaque marque doit travailler comme un tout, pour traduire l'histoire d'un défilé en vêtements cohérents. Aujourd'hui, nous avons l'impression que la mode n'est qu'un divertissement, mais ce n'est pas le cas, la mode, c'est des vêtements.

Depuis plus de trois ans, vous travaillez aux côtés des étudiants de Polimoda à Florence en tant que conseillère. Qu'est-ce que cela vous a apporté d'interagir avec des jeunes étudiants du monde entier et comment les soutenez-vous dans leurs créations ?

À la fin de l'année scolaire, je propose de nouvelles idées ou des changements pour l'année suivante (sur la base de mes observations de l'année qui vient de s'achever et des commentaires que j'ai reçus des enseignants) afin de rendre les cours solides et cohérents et de les maintenir à jour. Avec Massimiliano (Giornetti) et les coordinateurs, nous créons les nouveaux programmes. Au début de la nouvelle année scolaire, j'explique à toute l'équipe enseignante la vision des cours et les changements apportés. Ensuite, à partir de novembre, j'interviens lorsque les programmes sont déjà en cours pour donner mon avis et avoir une vue d'ensemble. Il est agréable de travailler et de créer dans un environnement créatif comme le Polimoda, car c'est comme évoluer dans une sorte de bulle. J'ai ressenti la même chose pendant mon séjour à l'Académie. C'était mon havre de paix. Vous avez beaucoup de temps et d'espace pour vous explorer et vous pouvez apprendre beaucoup des autres étudiants et des enseignants. C'est un échange permanent.

Que conseillez-vous à vos élèves ? 

Je leur conseille de ne pas faire de copier-coller, mais de trouver leur propre voix. Comme je l'ai déjà dit, la mode est un langage et il faut apprendre à le parler, à s'exprimer, à comprendre comment on arrive à une forme, comment la forme et le corps interagissent. Il faut absorber, absorber, absorber. Et surtout, il faut apprendre à voir les opportunités, en particulier celles qui se présentent sur notre chemin.