Nostalgie du futur par Dries Van Noten

Dans son message inclus à la fin des notes de son dernier spectacle en tant que directeur créatif, Dries Van Noten a cité Marcello Mastroianni et sa « nostalgie du futur », une sorte de romantisme du regard vers l'avenir, ajoutant que ce spectacle ne représentait pas une grande finale. Néanmoins, l'atmosphère était féerique : très peu de célébrités, une multitude de aficionados de la marque et de clients historiques, mais surtout une réunion rare de puissances de la mode venues célébrer un compagnon, un collègue et un ami lors de son chant du cygne. Ann Demeulemeester, Walter van Beirendonck, Haider Ackermann, Glenn Martens, Thom Browne, Diane von Furstenberg, Pierpaolo Piccioli et même, selon des rumeurs crédibles, Martin Margiela anonymement présent parmi le public, sorti de sa (faute de meilleurs termes) clandestinité pour célébrer Van Noten. Le thème de la « nostalgie du futur » signifiait, pour Noten, de ne pas traiter son dernier spectacle comme une playlist de ses plus grands succès – ce qui aurait signifié clôturer son œuvre dans des limites bien définies, l'emprisonnant pour l'avenir mais la muséifiant, la privant ainsi d'élan vital, la transformant en une anatomie autoconclusive. Au lieu de cela, Van Noten a préféré produire le travail le plus raffiné possible, quitter la scène avec une fin ouverte qui crée un pont entre la conclusion de son parcours et le début d'un nouveau chemin. Il n'est pas étonnant que le designer ait tout de même souligné qu'il ne prendra pas simplement sa retraite mais continuera en tant que mentor à superviser la marque.

Puisque la seule nostalgie présente était celle du futur, Van Noten a conçu une méditation sur l'élégance aujourd'hui, allant comme toujours au-delà de la limite classique du tailleur pour transformer les archétypes en quelque chose de plus avancé. La collection était dominée par des costumes et des manteaux croisés et à simple boutonnage avec des silhouettes allongées et des profils fluides. De nombreux tops étaient plus longs que la normale et légèrement évasés, mélangeant le tricot, la tunique, la robe féminine en un hybride délicieusement indistinct. L'idée de superposition est renversée avec des looks composés de pantalons ou de chemises créés en organza transparent, des vêtements « normaux » mais éthérés qui flottent en volumes translucides. L'impression d'une silhouette oblongue était également obtenue grâce aux pantalons taille très haute. La superposition visible des différents vêtements redessine et embrasse le corps d'un côté, et de l'autre fait des matériaux eux-mêmes et de leurs traitements un véhicule pour le sens de vécu et d'historique que Van Noten voulait transmettre : « Avant d'être porté, un vêtement est codifié avec des histoires », peut-on lire dans les notes du spectacle. « Quand le design vient d'un lieu personnel, chaque détail et décision a une signification. Les matériaux sont la preuve du temps et transmettent des émotions ; la manière dont ils sont traités ou transformés. [...] Des vêtements qui évoluent dans la vie avec nous, nous faisant avancer ». Et à quel point : il y avait un manteau en tweed pour homme couleur blanc chaux couvert de une impression de fleurs artistiquement fanées ; une veste dont le motif damassé s'illuminait aux bords et aux revers devenant quelque chose proche du safran ou de l'or ; des imprimés qui s'estompaient en tournant autour d'un pantalon mais aussi appliqués sur des chemises si légères qu'elles semblaient semi-transparentes mais aussi des vêtements couverts d'une couche invisible brillante, comme de la laque chinoise, mais aussi des revers qui, relevés, révélaient de nouvelles couleurs. La liste pourrait continuer mais regarder les looks est simplement mille fois mieux que de les décrire en mots.

Dans l'accostage et la juxtaposition des matériaux, on voyait scintiller la pensée : cotons lourds et légers, lin et organza, laine associée au néoprène, coton et soie pongée, cuirs et jersey pythonés mais aussi des surfaces métalliques ressemblant à du mercure liquide, polyamides froissés, cachemires recyclés – une gamme de matériaux travaillés et retravaillés qui, en peinture, correspondraient aux sfumati, aux clair-obscurs et à tous ces artifices visuels qui créent la richesse visuelle d'un tableau flamand. L'idée, comme toujours, était d'essayer de faire jaillir une étincelle de quelque chose de quotidien, de réveiller le sens d'un certain vêtement par une contiguïté seulement apparemment contradictoire, la lourdeur illusoire d'un tissu, le virtuosité des contrastes, des détails subtils mais secrètement exubérants comme le look féminin dans lequel une tunique transparente verte recouvre un long blazer gris associé à un short beige couvert de la même organza verte et transparente. Comme éléments décoratifs supplémentaires, il y a eu tout d'abord l'utilisation d'une technique japonaise appelée suminagashi qui consiste à créer des motifs marbrés à l'encre sur l'eau, puis transférés sur le tissu, créant des dessins uniques et aléatoires, indéterminables à l'avance. Il y avait aussi des impressions botaniques avec de grandes feuilles et fleurs et des broderies somptueuses avec des reliefs dorés et des pierres précieuses enchevêtrées, comme des plantes grimpantes, sur les manches, les épaules, les revers. Aux pieds, des bottes déstructurées, de nombreuses sandales et tongs, mais aussi des mocassins classiques et des babouches de style marocain qui mélangeaient des suggestions orientalistes aux topoi déjà réinventés du vêtement occidental. Le tout dans la plus vaste variété de couleurs : des noirs d'ouverture et de fermeture passant par le bleu marine, l'écru, le ciment, les gris, le rose, l'olive, le bordeaux, l'or et l'argent, la pêche, la rouille, le lime, le turquoise – toutes des palettes saturées variant en tonalité et intensité selon qu'elles étaient appliquées sur des tissus normaux, brillants ou transparents.

Il y avait aussi de la place pour une saine nostalgie du passé : le modèle qui a ouvert le défilé, Alain Gossuin, par exemple, était le même qui avait ouvert le tout premier spectacle de Van Noten il y a 38 ans. Et il y a lieu de soupçonner, si Margiela était vraiment présent, que les émotions collectives de Van Noten lui-même et de ses collègues et amis designers étaient très élevées, comme le chapitre final d'une longue saga au début de laquelle tous n'étaient que des étudiants en mode comme tant d'autres. Mais il était évident que ce spectacle serait une célébration de ces affections, un retour à la maison pour ainsi dire, ainsi que le point culminant d'une carrière menée dans un monde de la mode qui subit des changements de plus en plus dramatiques. Nous nous souvenons d'une interview qu'il a donnée l'année dernière à WWD : « La situation des célébrités devient incontrôlable. Avoir une célébrité sur le podium, avoir une célébrité dans la salle... je pense maintenant que les critiques concernent plus qui est assis au premier rang que le thème de la collection. Pour moi, la mode mérite bien plus que d'être réduite à quelque chose comme ça ». S'il n'avait pas voulu se retirer de la scène, et à en juger par la collection, Van Noten aurait encore beaucoup à dire et à faire. Néanmoins, en concluant une très longue et honorable carrière, en tournant la page à ce stade de sa vie, l'individu Dries Van Noten nous dit que dans la vie, il faut aller de l'avant ou se laisser porter de l'avant tout comme dans l'art ; que le passé n'est pas le dernier refuge des sentiments et qu'il peut exister une richesse sans ostentation, une intelligence sans prétention et une passion sans épuisement.